La littérature orale japonaise possède un long passé. Des biwa-hoshi, joueurs de luth ambulant, aux yukar, poèmes du peuple aïnu. Des setsuwa, anecdotes fictives et amusantes, aux récits épiques du gunki monogatari. Les formes sont nombreuses. Et en ajoutant des images à ces traditions orales, on obtient le kamishibai, un énième descendant des rouleaux peints emaki.
Le Dit du Genji, Livre Yûgiri, peinture emaki du XIIe siècle.
Si le kamishibai est apparu peu après 1925, il n’a été florissant qu’entre les années 1930 et 1950, avec près de 25000 conteurs, les gaito kamishibai-ya. La raison d’un si grand nombre de conteurs est dû au krash boursier s’étant produit à New York en 1929. Celui-ci n’a pas seulement touché les Etats-Unis, mais de nombreux pays dans le monde, dont le Japon. Encore faible à cette époque, l’économie des pays asiatiques dépendaient en grande partie des échanges commerciaux avec les pays occidentaux. Augmenter les charges pour faire du profit paraissait être la solution idéale pour améliorer l’économie. Malheureusement, le krash boursier a fait sombrer le Japon dans sa plus grande dépression économique, en plus d’une funeste politique de déflation dû au Rikken Minseitô, le Parti Démocratique Constitutionnel.
Avec un marché du travail bouché et une production au ras du sol, les gens sont en colère, ils ont faim, surtout les enfants. Pour survivre, les fermiers n’hésitaient pas à envoyer leurs filles se prostituer… D’autres participaient au développement du kashihon, c’est à dire écrire des nouvelles ou de la bande-dessinée, puis les faire louer pour trois fois rien dans des librairies d’occasion. Avec le kamishibai, les conteurs s’armaient d’un cadre en bois monté sur une bicyclette, et allaient raconter les exploits de multiples héros en faisant défiler une vingtaine d’images, en modifiant leur voix et expressions du visages. Des marionnettes en papier étaient aussi chose courante. Les représentations commençaient avec le claquement d’un instrument de musique, le hyôshigi. Le son attirait alors tout les enfants des environs qui s’amassaient autour du conteur. Ils pouvaient acheter des bonbons et des gâteaux pour obtenir le privilège de se placer tout devant.
Parmi les illustrateurs les plus célèbres, Takeo Nagamatsu, il est le créateur de Ôgon Bat, le premier super-héros japonais. Né à Ôita en 1912, il n’a que 18 ans lorsqu’il s’associe au scénariste Ichirô Suzuki pour créer ce personnage aux allures sinistres de squelette doré, en 1930. Vêtu d’une cape en rouge et noir, et armé d’un sceptre, il est un défenseur de la justice venu d’Atlantis pour se battre contre le syndicat du crime mené d’une poigne de fer par le Dr. Erich Nazô. Il apparaît d’abord sous la forme d’une chauve-souris, puis avec un rire démoniaque, il prend la forme d’un squelette. Ôgon Bat devient rapidement et extrèmement populaire auprès des jeunes garçons, avec près d’une histoire par jour racontées entre 1931 et 1933.
N’ayant pas de droit, l’histoire et son héros ont été récupérés par de nombreux auteurs. Réadaptée en kamishibai par Kôji Kata à partir de 1932. Adaptées en manga par Kôji Kata et Osamu Tezuka en 1947, en film par le réalisateur Sonny Chiba en 1966 puis en série d’animation par le studio TCJ en 1967. Takeo Nagamatsu se réapproprie le personnage pour une série de livres illustrés entre 1946 et 1958, comptant 11 histoires publiées dans divers magazines de prépublication, tels Shônen Book et Shônen Club.
Avec l’arrivée de la télévision au Japon en 1953, les enfants délaissèrent peu à peu les spectacles de rue pour du lèche-vitrine, devant les retransmissions sportives, les émissions de variété et les séries de science-fiction.
En essayant d'être au plus bref, le garçon a fait ses premières armes au studio Ghibli en 1991 en travaillant comme intervalliste sur le film Souvenirs goutte à goutte d’Isao Takahata. Il ne lui faudra que 4 ans pour figurer au poste de chara-designer et de directeur de l’animation pour le court métrage On your mark, avant de poursuivre sur Princesse Mononoké et Le voyage de Chihiro, pour ne citer qu’eux. Il devient ensuite indépendant et se voit assigné aux même tâches sur Paprika de Satoshi Kon. Et on peut encore ajouter sa direction de l’animation sur Tôkyô Godfathers de ce dernier, Lettre à Momo d’Hiroyuki Okiura, avant d’atterir au studio CoMix Wave pour travailler sur l'incroyable Your name de Makoto Shinkai. Oui, bref, Andô est une pointure de l’animation japonaise, et je me permets d’en accorder quelques mots à travers sa passion pour le cinéma, jusqu’à son arrivée au studio Ghibli.
Masashi Andô est un cinéphile, avouant d’ailleurs une passion plus importante pour les films en prise de vue réelle que ceux d’animation. Trouvant cela normal, il décide de suivre un cursus cinéma à la grande fac d’art de Nerima. Aujourd’hui encore, et malgré tout le poids de son travail, il emprunte souvent des vieux films en DVD sans se préoccuper des genres cinématographiques, appréciant bien évidemment Clint Eastwood, Alan Parker, Ang Lee, Sam Raimi (dont Evil Dead II, Darkman et Drag me to hell), ou encore Steven Spielberg et Andreï Tarkovski. Malheureusement, il ne trouve plus le temps de se plonger en salle obscure.
C’est d’ailleurs ce cinéma qui l’aide à accomplir son travail. Après le visionnage d’un film, il lui est facile de reproduire un sentiment si celui-ci lui est resté en mémoire. Pour autant, il ressent de la jalousie quand il n'arrive pas à imiter le naturel des bons acteurs, car pour lui, un animateur accorde plus d’attention et d’énergie sur l’action et l’enrichissement des décors.
Son intérêt pour l’animation est apparu pendant la préparation aux concours d’entrée à l’université. Incertain quant au choix d’une école spécialisée, il décide de se diriger vers la fac d’art de Nerima en songeant aux multiples perspectives qui pourraient s’offrir à lui. Là-bas, il apprend aux côtés d’Hiroshi Ikeda et de Sadao Tsukioka. Le premier était scénariste et directeur technique à Tôei Dôga (Aujourd’hui Tôei Animation), avant de naviguer du côté de Nintendo. Le deuxième est « l’animateur de génie » du même studio, reconnu pour les actions énergiques de ses séquences animées. Ikeda lui conseillait de toujours préparer un plan de secours pour faire face aux critiques.
Et pourtant, il abandonne la fac au cours de sa troisième année lorsqu’il est recruté au studio Ghibli. Autrefois, le studio signait des contrats avec des animateurs indépendants. C’est pourquoi il ne pouvait laisser filer une telle opportunité. Ainsi, le rêve de bosser dans l’animation avec Miyazaki et Takahata devenait une réalité.
Les années passent, et malgré un curriculum d’exception, Masashi Andô n’accède jamais au poste de réalisateur. Il explique que l’envie de le devenir était présente au début de sa carrière, mais cet autre rêve s’effondre en réalisant qu’il ne pourra jamais être au niveau des deux monstres sacrés du studio.
« Il n’existe pas de film sur cet animal typiquement japonais. N’est-ce pas la preuve que l’animation japonaise est paresseuse ? » (Isao Takahata, 1989)
Aux origines du film
En janvier 1989, pendant la production de Kiki, la petite sorcière, Takahata et Miyazaki discutent sur d’éventuels nouveaux projets. Takahata souhaite réaliser un film sur les tanukis, cet animal japonais mystérieux chargé de légendes. Pendant l’échange d’idées, il mentionne le conte Awa tanuki gassen (La bataille des tanukis d’Awa), dont l’action se déroule dans la région de Shikoku. Avant cela, ce conte a connu plusieurs adaptations en prises de vues réelles, dont une par le studio Shinkô Kinema en 1939. Mais à l’opposé, Miyazaki propose d’adapter Happyakuya-danuki, l’une des trois grandes histoires de tanukis de l’ouvrage Matsuyama sôdô happyakuya-danuki. Cette histoire prend racine dans la légende d’Inugami Gyôbu-danuki sur fond de révolte au domaine Matsuyama. Elle a également été adaptée en manga par Shigeru Sugiura, un mangaka très apprécié de Miyazaki. À ce stade, ces idées ne promettent rien de concret. En fait, il faut attendre trois ans, en mars 1992, cette fois en pleine production de Porco Rosso, pour que Miyazaki remette cette histoire sur le tapis : « Après un cochon, ce sera un tanuki ! ». Toshio Suzuki lui rappelle que Takahata a souhaité réaliser un tel film. Un peu déçu, Miyazaki renchérit avec deux conditions : « J’aimerais que ce film rende hommage aux tanukis, et j’aimerais qu’ils rient fort, un rire comme on n’en fait plus aujourd’hui. »
Les premières difficultés
Takahata n’accepte pas aussi facilement. En effet, comme Suzuki et Miyazaki sont tout les deux fans du manga de Sugiura, ils n’ont su percevoir les intentions profondes de Takahata, ce qui ne lui convient guère. Ce qui intéresse ce dernier, c’est le conte Awa tanuki gassen et les œuvres qui s’en servent comme matière première, comme le roman Fukkoki écrit par Hisashi Inoue. Malgré cela, il ne sait pas comment encore comment l’adapter, la tâche lui paraît même impossible. Et pour tenter de résoudre cette difficulté, il contacte l’auteur de Fukkoki qui lui conseille de jeter un œil aux recherches qu’il a rassemblé pour son roman. Dans un premier temps, ils le rencontrent dans un café à Kawanishi, mais leur discussion n’aboutit à rien. Inoué leur conseille de se rendre à la maison d’édition Chihitsudô Bunko, mais même si ils découvrent de très nombreux documents, ils ne trouvent rien de suffisamment intéressant pour en produire un film. Suzuki et Takahata, découragés, décident d’avorter le projet Tanuki. À la place, Takahata souhaite adapter le Dit du Heike, la célèbre chronique poétique. Mais quand il en informe Miyazaki, il se met dans une colère noire, affirmant qu’ils encourront des difficultés pour dessiner des armures, pour les mettre en couleur et les faire bouger. Ce projet disparaît aussi rapidement qu’il a été imaginé, mais certaines idées vont rester. Par exemple, les tanukis incarnent les personnages du Dit du Heike, ils sont aussi bourrus qu’eux et combattent ensemble. En ce sens, Pompoko n’est pas qu’un film dramatique centré sur un groupe de personnages, elle adapte aussi une ère ancienne décrite dans les monogatari jusqu’à devenir une chronique qui dépeint le destin des tanukis comme celui de bien d’autres personnages. À suivre…
Voila pour les origines du film. Le texte n’est pas définitif, (sans parler des fautes d’ortho), je découvre sans cesse des nouvelles informations en poursuivant mes lectures (je n’ai pas encore touché au Roman Album), alors il faut s’attendre à des modifs ici et là avec l’ajout d’un résumé du film.
Bienvenue à tous sur le nouveau site de Limited-Animation !
Il y a encore beaucoup à faire, mais la structure principale pour écrire des articles divers est terminée.
J'aimerais concentrer mes recherches sur l'animation et le manga en proposant un sujet sur l'animation et un sur le manga, en plusieurs parties et sous parties. Sachant que j'ai quelques dizaines de ressources japonaises dans un cas comme dans l'autre, il y a moyen d'obtenir un bon résultat. Mais pas que, car j'aime aussi toute l'animation, et j'aimerais l'aborder selon différents angles.
Je souhaite aussi parler de mon quotidien au Japon, car j'habite à Tokyo depuis trois ans, et je n'ai jamais pris le temps d'en parler. Si les articles s'affichent dans l'index principal, tous les articles sur le Japon se trouveront aussi dans la page Japan Life. :)
Bientôt, je l'espère, vous trouverez aussi une base avec une ambition un peu particulière, mais elle est encore en construction. Elle est complexe à mettre en place, mais je pense qu'elle devrait nous permettre d'explorer des recoins encore inconnus du manga et de l'animation. Patience ! ♪
Le film de Sunao Katabuchi fait parler de lui en France en ce moment. J’en profite pour poster quelques photos d’une petite expo d’images originales qui a eu lieu dans le cinéma Theatre Shinjuku en décembre dernier. Outre ces genga, on pouvait aussi voir des objets utilisés pendant l’ère Shôwa.
Si j’apprécie l’ensemble du film, j’aime tout particulièrement la scène d’explosion vers la fin. Elle est à la fois fatidique, horrible et triste, mais menée avec suffisamment d’imagination pour ne pas la rendre trop choquante. En tout cas, clairement moins choquante que le Pikadon de Renzo Kinoshita. Celle ci hante encore mes cauchemars…. ^^"
J’aimerais bien comprendre comment Katabuchi est parvenue à ce résultat. Je songeais au point de vue de l’héroïne à partir d’une description d’une victime d’une bombe. Dans tout les cas, cette scène me vient en tête chaque fois que je repense au film. (Edit : c'est toujours le cas en 2023 ^^).
Allez, place à l’expo !
Pour info, ce magazine s’appelle Fujin Club (Le club des femmes). Il est publié pour la première fois en 1920, avec une interruption en 1945. Je n’ai guère besoin de mentionner la cible de son lectorat, mais au moins son slogan : Onna no yorokobi, tsuma no shiawase : Le plaisir d’une femme, le bonheur d’une épouse.
Le magazine prépublie des romans, des essais et des illustrations. On retrouve Yayoi Yoshioka parmi ses auteurices. Elle s’est longuement battue pour le droit des femmes, est devenue la 27e femme médecin du pays, a ouvert son école de médecine à Tôkyô, a préconisé l’importance de l’éducation sexuelle, et a participé au mouvement Clean Elections amenant au droit de vote des femmes japonaises.
Fujin Club est l’un des quatre plus grands magazines pour femme d’avant-guerre aux côtés de Fujin Gahô, Fujin Kôron et Shufu no Tomo.
Le fameux Prix de la Paix du festival international du film d’animation d’Hiroshima.
Le fameux Prix de la Paix du festival international du film d’animation d’Hiroshima.